É Proibido Falar de cinema

2009-05-11T20:32:00.000-07:00

Se por acaso alguém me procurar, eu agora estou:cá

O FIM DE UMA ERA

2008-07-15T18:15:00.001-07:00

Caro leitor,

Já falei aqui de meu cansaço do formato da crítica, e agora venho falar do meu cansaço do formato de blog. Como eu não ganho pelo que escrevo, o retorno na forma de comentários e contatos é a matéria que alimenta o ciclo criativo. Há coisas que agradam, há outras que não. Mas, de qualquer forma, a resposta que tenho disso é muito vaga para um esforço continuado. Não vou usar este espaço para exigir comentários, como fazem alguns. A questão não é essa. Mas chega uma fase na vida de todo mundo em que você quer realizar coisas mais palpáveis. O encerramento deste blog abrirá espaço mental para novas idéias, projetos e energias.
Por algum motivo, meus textos têm suscitado leituras controvertidas. Nada contra a crítica e a discordância. O problema é a ausência de cordialidade intelectual, e a pouca vocação de muitos leitores para o debate franco e respeitoso. De repente, percebi a tremenda exposição inerente a este objeto que é o blog, onde todo mundo pode entrar sem ser visto, e criar uma relação de intimidade (não necessariamente positiva) com você. E de repente eu me pergunto: será que vale à pena?
Não desconsidero também que parte do problema pode estar em mim, e esta possibilidade reforça minha vontade de encerrar esta etapa de meus escritos. Preciso rever minha estratégia de comunicação com o mundo. Para mim, bloguear sempre foi uma questão de prazer, e esse já estava ficando sério demais.

saudações e até a próxima,

Davi Lopes Ramos

2008-07-01T13:32:00.000-07:00

Lá na pós-graduação em cima da Católica, há um tempo atrás comentávamos em sala o quanto faz falta, na Bahia, um curso de formação técnica na área de cinema. Ao que tudo indica, agora existe.

Local: Centro Universitário Jorge Amado
Curso Superior de Produção Audiovisual

Duração: 2 anos
Período: vespertino
Número de vagas: 100

E-mail: coordgtec@fja.adm.br

O CURSO

O setor do audiovisual vem crescendo no mundo inteiro e não é diferente no Brasil. Entre 2000 e 2005, o setor audiovisual brasileiro apresentou um crescimento anual médio de 5,6% ao ano. O crescimento esperado para o período compreendido entre 2006 e 2010 no país é de 5%, o que corresponde a quase 33% do mercado da América Latina. Hoje, diferente do que acontecia na década de 70, por exemplo, a indústria do audiovisual oferece uma ampla possibilidade de novos empregos.

Embora os principais pólos de produção audiovisual brasileiros estejam ainda situados no Rio de Janeiro e em São Paulo, está em curso, no país, um processo de descentralização da geração de conteúdos audiovisuais. A Bahia é uma prova viva disso. O estado, que se orgulha de ter como herança a obra do lendário Glauber Rocha, vem se destacando cada vez mais no cenário nacional audiovisual, não só com os atores que fazem sucesso até fora do país, mas com o trabalho daqueles que ficam por trás das câmeras, que fazem o espetáculo acontecer.

Diante desse cenário, o Centro Universitário Jorge Amado oferece um curso de graduação tecnológica em Produção Audiovisual que caminha junto com as demandas dos mercados audiovisuais baiano e brasileiro e que tem como base uma grade curricular que busca diferenciar o profissional formado pela instituição. O perfil do egresso tem como principal característica o dinamismo exigido pelo setor, que além de exigir diversas habilidades técnicas, também requer visão crítica e sensibilidade artística.

Para ser um profissional do audiovisual, o aluno deverá desenvolver as habilidades técnicas necessárias para a manipulação de equipamentos de imagem e som que possibilitem a captação, a edição e a finalização dos produtos audiovisuais, respeitando etapas de uma cadeia produtiva que demanda um alto grau de complexidade e interdependência dos setores. Esse profissional deverá desenvolver também a capacidade de agregar valores simbólicos e estéticos aos seus produtos, conciliando o domínio das tecnologias com valores humanísticos, éticos, sócio-ambientais e de cidadania.

O curso de graduação tecnológica em Produção Audiovisual do UNIJORGE tem como objetivo a formação de profissionais habilitados para operação e gestão de tecnologias aplicadas à produção audiovisual, com ênfase na formação de assistentes de produção, operadores de câmera/cinegrafistas, operadores de áudio, editores e finalizadores de vídeo, captadores e editores de áudio, geradores de conteúdos, produtores e diretores. Os profissionais formados pela instituição estarão aptos a atuar em emissoras abertas de rádio e televisão, canais de TV por assinatura, TVs universitárias e comunitárias, estúdios e produtoras de cinema, agências de publicidade e produtoras de conteúdo para Web TV, entre outras.

Grade Curricular:
http://www.jorgeamado.edu.br/novos_cursos/cursos-tec-audiovisual.html

Sobre humildade e modéstia

2008-05-17T18:13:00.001-07:00

Não escrevo já faz algum tempo. Não vou fazer como muito blogueiro por aí e reclamar da baixa massificação de meus escritos: sim, eu tenho leitores. Meu público é um grupo reduzido de pessoas que faz um esforço especial para entender um conjunto de pensamentos que eu reúno de vez em quando não com propósito doutrinário, mas apenas para colocar no ar algum comentário que eu julgo desprestigiado nos debates em geral. Estou aqui não para chocar, mas para criar fissuras em certas unanimidades que, como já virou chavão dizer, têm o hábito de serem burras.

  

Quase sempre escrevo sobre cinema, não porque este é o único assunto sobre o qual eu teria algo a dizer, mas para evitar me envolver em polêmicas desnecessárias (já me bastam as necessárias). Para dizer algo, acredito ser melhor fazê-lo direta e objetivamente, sem ressalvas desnecessárias, que empolam o texto com admoestações nas quais quem escreve não acredita de fato. Por isso, um mau leitor pode entrar em meu blog e ter uma impressão errada de minha pessoa. Acreditará que sou um ser cheio de “verdades”, e se colocará numa posição imediatamente defensiva. Sim, isso já aconteceu e não é nada agradável. Existe muita gente invejosa no mundo, e essas pessoas às vezes me fazem querer parar de escrever ou de me expor de uma forma geral. Se os estudiosos atestam que a vida urbana destrói as relações inter-pessoais, casos recentes me indicam também que a cortesia intelectual é uma prática em flagrante desuso.

É uma pena que isso aconteça, mas eu não pretendo adaptar meu texto (ou meu comportamento) a certas mesuras e jogos de cena que em nada contribuem para o que desejo comunicar. O debate pressupõe a manutenção de certas posições, e, quando o interlocutor expõe seu pensamento de forma clara e objetiva, age com honestidade para com seu debatedor. Fazendo isso, ele permite que se revelem as vulnerabilidades de seu próprio discurso. Ao oferecer com franqueza a estrutura de seu modo dedutivo, propicia maior riqueza nos comentários posteriores.

O verdadeiro humilde não é aquele que escolhe as palavras para não parecer arrogante, mas sim quem está sempre disposto a se revisar de fato, pois sabe que não detêm nenhum privilégio (intelectual, que seja) diante de qualquer interlocutor. Pode, sim, estar melhor informado em algum assunto, mas isso não quer dizer que esteja necessariamente certo. O modesto, e estes são em maior quantidade, simula uma dúvida constante sobre as próprias afirmações, assimilando muitas vezes as críticas feitas pelos interlocutores ao dar a entender que já as conhece. Sintomaticamente, não revisa seus conceitos e os passa adiante, na esperança de que estas fragilidades não reapareçam em outros comentários. Essa é personalidade do cínico, aquele que concorda com algo no momento de uma conversa, deixando para depois a tarefa sórdida de destruir o discurso do interlocutor sem a sua presença. É o típico “cara legal” com o qual você deve tomar cuidado.

Todo ser humano devia ser entendido entre aspas. Estas se abrem antes de sua primeira palavra, e se fecham logo depois da última. Elas dizem, a quem possa interessar, que tudo que eu falar ou escrever será produto de minha pessoa, ainda que se baseie em estudos e conhecimentos variados da vida humana. São aspas para mim mesmo, como se eu dissesse, antes de tudo: “mas sou apenas eu falando”. Ninguém deveria precisar reforçar esse estatuto antes de falar qualquer coisa. Além de perda de tempo, fazer isso vai apenas arrebanhar simpatia para você, quando as pessoas deviam estar pensando em outras coisas mais importantes, como o conteúdo.

A Mulher Perfeita

2008-03-12T17:45:00.000-07:00

Pablo Picasso, Sleeping woman

Viagem de negócios, coisas a fazer... e Ela. Se apaixonou por volta da meia noite. Sabia que havia bebido demais, falado demais e, talvez, feito amor demais. De bruços, Ela remexia o corpo entre os lençóis. Tinha data para acabar aquela brincadeira de andar de mãos dadas numa cidade estranha. E ali, na poltrona de hotel, entre um gole e outro, soube: por uma noite, apenas, ela foi a mulher de sua vida.

Alguns Comentários sobre o Oscar

2008-02-25T09:41:00.002-08:00

Javier Bardem, melhor-ator coadjuvante por Onde Os Fracos Não Têm Vez

De modo algum me incomoda que os Irmãos Coen (Onde os Fracos Não Têm Vez) tenham ganhado os prêmios de direção e melhor filme. Da década de 80 para cá, eles construíram umas das carreiras mais competentes e regulares da indústria americana. Mas, enquanto os Coen trabalham num território tangente ao cinema de gênero, em Sangue Negro Paul Thomas Anderson desbrava acres de terra inexplorada. Uma diferença sensível. 

Dentre os indicados ao prêmio principal, disputavam realmente Sangue Negro e Onde Os Fracos..., claramente superiores. No segundo time eu colocaria Conduta de Risco, que, além do roteiro impecável, com ótimos diálogos, tem direção segura (apostando nas elipses, na secura e na fotografia sombria) e atuação magistral de George Clooney. Juno e Atonement eram as duas zebras. O primeiro é uma tremenda sessão da tarde, com história de uma sinceridade incomum, falas marcantes e a atuação ultra carismática de Ellen Page. Mas não passa disso. Já Atonement, ainda que engane com a boa e velha elegância de época, não tem grandes trunfos de história e direção, além do final problemático. Encanta, sim, por uma certa aposta emocional que não deixa de ter seu valor, mas está muito longe de encontrar uma coesão narrativa que o equipare aos cabeças-de-chave.

Daniel Day Lewis ganhou melhor ator, nada mais justo. A sua atuação em Sangue Negro, como o inescrupuloso petroleiro Daniel Plainview, é poderosa, impactante, atemporal. Deverá ficar marcado não só por causa prêmio, mas por ter encarnado algumas das melhores cenas já vistas na história do cinema. O prêmio de melhor ator coadjuvante ficou com Javier Bardem (Onde os Fracos...), que, em sua contenção psicótica, criou um personagem monstruoso e cativante.

Pela quantidade de bons concorrentes, este foi um ano atípico para o Oscar. No lugar de Day Lewis, em outros anos ganharia fácil Johnny Depp, ou mesmo George Clooney. Um filme como Conduta de Risco também não passaria desapercebido em premiações anteriores. Outra característica foi a indicação de filmes baratos, em que a elaboração fílmica se sobrepõe ao orçamento e aos efeitos de computação gráfica. Uma indicação de que a fórmula do blockbuster dá sinais de cansaço. O público está carente de boas histórias, e estes resultados deverão ter um efeito positivo no cinema americano a partir de agora. Em 2008, é provável que haja uma valorização de roteiristas, diretores e atores, em detrimento da doutrina megalomaníaca que gerou uma quantidade alucinante de subprodutos de Senhor dos Anéis e suas variações. É esperar pra ver.

nota: os prêmios que não comentei foram os dos filmes a que não assisti.

Inverno

2008-02-20T20:52:00.000-08:00

Self Portrait, Edward Hopper

Sei que as  coisas não são assim, que no man is an island e que a vida  às vezes deve ter um quê de temporada de férias da Malhação. Eu  sei que você gosta de pular no rio, de churrasco no quintal, ouvir  músicas bacanas e esquecer que o tempo passa, que tudo morre, e que  mesmo enquanto vivos nossos pensamentos são sujos e imperfeitos.

Eu  sei de tudo isso, inclusive que eu devia ver o lado bom das coisas e  outros clichês não menos verdadeiros. Que preciso exigir menos de  mim, rir de piadas sem graça e dançar danças que eu não gosto apenas  pelo prazer cinético, pela completude instantânea que surge quando  o corpo vaza ritmos comprimidos de vibração melódica.

Sei que devo  aprender a ser feliz, a sorrir e a compartilhar, e acho lindo quando  você me conta que subia em pés de araçá, e brincava de pega-pega,  e jogava bola com os moleques da rua e outras meninices que geralmente  a gente lembra com trilha sonora de MPB.

Sei também  algumas coisas que você não sabe, coisas de gente boba que cresceu  entre livros e monitores. Aprendi que existem dois tipos de pessoas  no mundo, os normais e os melancólicos. Nunca subi em pé de araçá,  não brinquei de pega pega, e, mesmo quando brinquei, ainda era o estranho  que sempre perdia e voltava pra casa pensando em murros e pontapés  que nunca encontravam o destino.

Talvez você não entenda,  talvez ninguém um dia venha a entender. É que um demônio invisível  me roubou a alegria aos dez anos de idade.

E hoje vivo nos sorrisos que provoco, com aqueles que não se importam em compartilhar as pequenas coisas secretas... essas poucas que não me ofendem com seu  brilho.

2008-02-15T02:12:00.000-08:00

Onde os Fracos Não Têm Vez (No Country For Old Men, Irmãos Coen, 2008)

Fiquei embasbacado com esse filme. Sei que há, certamente, peças de igual rigor por aí, mas ver o cinema tão bem tratado em minha própria época é experiência de um prazer incomparável. Já o assisti duas vezes, e o que acontece é que eu, atônito, não consigo escrever.

Pois bem: recentemente o professor André Setaro nos brindou com o seu comentário, que eu linko abaixo. O que eu gostaria de dizer sobre o filme já está lá escrito. Se eu pensar em algo diferente, escrevo.

http://terramagazine.terra.com.br/interna/0,,OI2404293-EI6791,00.html

2008-02-14T18:43:00.001-08:00

Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet (Tim Burton, 2007)

Sinopse: depois de ser mandado à prisão por 15 anos, por um juiz que desejava sua esposa, o barbeiro Benjamin Barker retorna à Londres em busca de vingança.

Já faz tempo que Tim Burton é reconhecido por seu universo de referências consistente e original, um estilo Burton que hoje é imitado sem cerimônias por todo e qualquer filme de fantasia que repise o território da fábula negra. Se em Os Fantasmas se Divertem ele já delineava uma versão anárquica das histórias de assombração, é em Edward Mãos de Tesoura que seu touch ganha forma. Estão ali o rigor narrativo da fábula, a forte influência do expressionismo alemão e o gosto (ainda incipiente) por situações entre a doçura e o terror, que se aprofundaria em seus trabalhos posteriores. Junto ao diretor, Johnny Depp dá forma também um modo de trabalho que se articula entre esses dois pólos: o ator se tornou mestre em causar empatia encarnando personagens de caráter duvidoso.

Em Sweeney Todd, Burton realiza, pela primeira vez, um musical propriamente dito. Se em Noiva Cadáver a música figurava como elemento chave de uma narrativa estruturada nos diálogos, neste filme as cenas mais importantes são em forma de cantoria. Não se vê exageros, porém. Tim Burton, além de um esteta, é também um contador de histórias, e nunca engendra uma dilatação excessiva do tempo, tão comum em filmes do gênero, que paralisam o enredo para bombardear o espectador com seqüências musicais tão delirantes quanto intermináveis. Nenhuma fala é desperdiçada, e a história prossegue mesmo (e principalmente) durante as músicas.

Aqui não há diálogo com o videoclipe, como se vê em Moulin Rouge: as músicas cumprem uma função dramática bem definida, ao permitir certas licenças poéticas impraticáveis em filmes dialogados. É interessante, por exemplo, como Burton (seguindo a receita do musical encenado, diga-se de passagem) utiliza as partes cantantes para fazer algo proibido por todos os manuais de roteiro: os personagens, como em um ópera, expõem sem rodeios suas necessidades e intenções, falando quase diretamente ao espectador. O uso dá à narrativa um andamento particularmente interessante, que se aproveita da peculiaridade do gênero para enfiar cabeças falantes no roteiro sem problemas de consciência.

Dada a sua reconhecida competência, falar de fotografia e direção de arte em Tim Burton é arriscar o lugar comum. A Londres antiga, suja e escura, não poderia estar mais perfeita. Neste filme, no entanto, acrescenta-se ao fetiche do diretor pelos cenários construídos um uso de recursos de computação gráfica que leva adiante seu universo estético. Em uma determinada cena vê-se um mar mais azul que o mar, uma praia mais praia que a praia, em um trabalho de cores e texturas que beira a abstração.

A palavra para definir Johnny Depp neste filme é consistência. Impossível capturar um plano sequer em que ele não seja plenamente Sweeney Todd, o barbeiro demoníaco. Ele está, de fato, assustador, e seu personagem deliciosamente coerente. Nada de homem perturbado aqui. Só o que o move é o desejo de vingança, puro e simples. As cenas em que o personagem e sua companheira de maquinações, a também excelente (e cada dia mais dark) Helena Bonham Carter elaboram planos de vingança são tão cruéis quanto deliciosas. Bem conduzido, o espectador compartilha, sem culpas, da maldade permitida aos personagens, residindo aí grande parte do apelo do filme. As observações do barbeiro e do juiz a respeito da humanidade elaboram um conceito de moral muito peculiar, pelo qual ambos pagarão: segundo eles, todos os seres humanos merecem a morte. O filme, maliciosamente, nos leva junto com eles para o julgamento final.

Talvez este seja o mais sólido dos filmes de Burton. Seu estilo não se encontra anestesiado por qualquer necessidade estranha. Os personagens são tomados por uma exigência interna inegociável, e caminham, sem concessões, em direção ao seu destino. O encerramento firme revela uma obra coesa, que não deixa qualquer rebarba, imprimindo efeito cortante, profundo, pleno. Por isso tudo, Sweeney Todd se notabiliza como uma tragédia moderna, no sentido estrito do termo.

Amor

2008-02-13T17:58:00.000-08:00

quadro: Os Amantes, de René Magritte

- Lia?
- Sim?
- Eu não te amo.
- Como assim não me ama?
- Eu tava olhando pra você, aí deitadinha, lendo seu livro, e de repente percebi que eu não te amo.
- Mas quando você disse o contrário?
- Nunca.
- A gente tá junto há quanto tempo? Um mês e meio?
- Um mês e meio.
- Não acha um pouco precipitado?
- Pra dizer que não te amo?
- Sim.
- Talvez eu tenha pulado alguma etapa, mas não sei bem qual...
- Que tal aquela parte em que você diz que me ama?
- Não me pressione. Eu já disse que não...
- Não precisa repetir.
- Mas o que você quer que eu diga, então?
- Não sei, mas não isso.
- E você, me ama?
- Você não tem o direito de pergunt...
- Ama ou não ama?
- E se eu disser que sim, o que você vai achar disso?
- Eu já disse que não...
- Eu sei. Eu sei.
- Mas eu gosto muito de você.
- Tá bom.
- Adoro transar com você.
- Sei.
- Seu corpo é o mais perfeitamente belo que já ví.
- Mas você não me ama.
- É.
- E precisava deixar isso claro assim, na hora de dormir?
- Foi.
- E agora eu posso dormir?
- Pode. Mas não me abrace muito.
- Porquê?
- Porque abraço na hora de dormir é só pra quem eu amo. E eu não te amo.
- Você tinha que repetir?
- Você perguntou “porquê”.
- O que você quer que eu faça?
- Fique ali no cantinho.
- Junto da parede?
- É.
- Mas tem uma infiltração na...
- Eu sei...
- Porquê eu não posso mais dormir abraçadinho?
- Eu já disse...
- Tá, eu já sei. Me empresta o travesseiro?
- O de ganso não.
- O outro.
- Pode ficar.
- Brigada.
- Tá gostando?
- É até fresco aqui.
- Você está gostando?
- To, sim. Brigada.
- Não quero mais que você fique aí.
- Porquê?
- Porquê um dia eu vou amar alguém, e esse alguém é que vai ficar aí.
- Mas não vai sobrar lugar nenh...
- Vai pro chão.
- Mas tá frio.
- Eu desligo o ar.
- Mas...
- Eu já disse. Desce.
- Me empresta um lençól?
- O chão tá bom?
- Sabe que até gostei? Assim, com ar desligado, fica gostoso.
- Sai daí.
- Mas pra onde eu vou então?
- Não sei.
- Eu fiz alguma coisa de errado?
- É claro que não. Você sabe que eu te adoro. Apenas não te amo.
- Mas praonde eu vou?
- Eu não sei. Vai pra junto das pessoas que eu não amo. Tem um monte delas por aí.
- Mas tá tarde.
- Eu sei.
- Vou pra sala, tá bem?
- Tá.
- Tchau.
- Eu to ouvindo você chorar.
- Desculpe.
- Pare com isso.
- Mas eu...
- Pare!
- Eu vou pro banheiro...
- Boa idéia.
- O que você tá fazendo aqui?
- Dá licença. Preciso urinar.
- Não posso olhar?
- Não. Só pode olhar quem...
- Eu olho pro outro lado. Tem problema não.
- Tadeu?
- Sim?
- Eu queria te falar um negócio.
- Diga.
- Mesmo com tudo isso, eu queria dizer que, do fundo do meu coração, eu te amo.

Tadeu abre um sorriso.

- Mesmo mesmo?
- Mesmo mesmo.
- Você me ama?
- Amo.
- Mesmo eu fazendo isso tudo com você?
- Mesmo você fazendo isso tudo comigo.
- Mas porque?
- Porque sim. Porque eu te amo.

- Eu também te amo.
- Eu sei, Tadeu. Vamos pra cama agora?
- Vamos.

Edifício Solidão

2008-02-06T18:17:00.000-08:00

Está pronto o tratamento zero do meu primeiro roteiro de longa, Edifício Solidão. A única pessoa que o leu diz que está bom, mas não sei. Quando chega essa hora não dá mais pra sentir o que funciona ou não.

Por enquanto vai um trecho. Aos roteiristas, peço desculpas pelos problemas na formatação. Culpa do blogspot.

A foto é da graphic novel O Edifício, do genial Will Eisner, tida por muitos como a melhor HQ já publicada, e que me inspirou muito ao conceber essa e outras histórias. Se interessou? Baixe aqui

Trecho:

EXT. PRAÇA - NOITE

Mal iluminada. Os mesmos três rapazes de 15 anos conversam com a mesmas duas meninas de 15 anos. Tomam vinho em copos de plástico. Pedro senta NO MESMO BANCO deles. Olha para uma das meninas.

MENINA 1

Você quer?

Pedro balança a cabeça que sim. Menino 1 dá um copo para ele.

MENINO 1

Rapaz, tô dizendo, dinheiro não traz felicidade...

MENINO 2

Só se for pouco! Eu mermo se tivesse ia estarrar. Eu comprava uma mansão, com piscina e as porra...

MENINO 3

Eu montava um harém... só puta da melhor qualidade, tudo elite, igual as daquele site..., táligado?

MENINO 2

Cê podia me contratar... pra selecionar as putas.

MENINA 1

Ah... que coisa horrível!

MENINo 1

Eu ia trepar de manhã, de tarde, de noite, ia começar com uma depois gozar na outra. Isso sim é felicidade!

Todos riem, exceto Pedro. Pedro toma um gole do vinho.

PEDRO

Aí cê se apaixona por uma delas... quer fechar o harém, mudar de vida, acabar com tudo. E quer saber o que acontece? Essa, justamente essa, é a única que não vai te querer. Ela vai embora. E você nunca esquece ela. Não importa quantas você tenha em sua cama...

Pedro toma gole do vinho. Menino 1 pega a garrafa, entorna um gole grande e senta.

Sonhos

2008-01-18T07:56:00.000-08:00

Uma vez sonhei que era um aviãozinho de papel. E voava.

Me interessam os eventos capazes de romper o tecido das relações sociais. Às vezes fantasio rasgos na realidade que, por alguns segundos, me produzem grande satisfação. Andando no ônibus, vejo um exército desconhecido invadindo a orla de Salvador. Marcham sem pressa, soberanos. Abrem caminho, mas não matam ninguém. Ainda. Se dirigem talvez às sedes do governo. Aos batalhões do exército. Aos shoppings Salvador e Iguatemi.

Era pior, quando criança. Tive inúmeros sonhos com discos voadores. Eu os temia, mas ao mesmo tempo desejava aquela sensação intrigante de medo e espanto. Já os vi pousar em meu colégio, num dia de aula. Outra vez, avistei um disco maravilhosamente belo de minha janela do quarto e chamei a família toda para ver. Era como se o mundo se partisse em dois, como se dali em diante tudo fosse diferente. Talvez eu quisesse ser o cara dos discos voadores, o herói do filme, o nerd que decifra o código, descobre a invasão, acha o grande palpite que vai salvar a humanidade.

Hoje tudo era água. Eu morava no décimo segundo andar e tinha água em minha janela. E eu saía de barco pela cidade.

2008-01-14T18:47:00.000-08:00

Eastern Promise (2007, EUA), David Cronenberg

Sinopse: A parteira Anna Ivanovna decide procurar a família de um bebê recém nascido na noite de natal. Seu caminho acaba se cruzando com a máfia russa em Londres.

Confesso que demorei a reconhecer o talento de Cronenberg. A mesma esquisitice que me atraía em seus filmes, me levava também a uma postura preconceituosa, por julgá-lo pop demais talvez. Mas a verdade é que assisti muito pouca coisa dele. Dessa fase, vale citar o excelente eXistenZ, filme que lida com realidades virtuais de forma violenta e profética. Se Marcas da Violência me fez olhar sua produção de forma diferente, este Eastern Promise (ainda sem tradução) me convenceu de seu status de mestre. Para quem estuda e faz cinema, é muito prazeiroso ver um filme que a cada plano ressalta a madureza de um diretor que encontrou a sua forma, o seu universo, o seu touch, como diria o professor Setaro.

Em seus últimos dois filmes (não falo sobre mais pois não os assisti), Cronenberg combina planificação clássica, personagens fortes (uma constante reprogramação de estereótipos) e diálogo com o cinema de gênero (máfia e policial). Por conta disso, é possível pensar numa relação entre o seu cinema e a produção atual dos irmãos Coen. A mutilação corporal de altíssima qualidade (ele deve usar os melhores técnicos em FX da indústria, pois parecem reais e são filmados em detalhes) continua a sua marca, e a estética clean do restante do filme não é gratuita: serve para acentuar o impacto desses momentos, onde ele claramente realiza uma obsessão pessoal.

Resumindo, o filme é um primor. Personagens vívidos e a elegância de uma técnica impecável, mas que se torna invisível para deixar rolar, no espectador, o sentimento genuíno que só produzem as grandes histórias.

Estréia no Brasil em 8 de Fevereiro .

nota do autor: por conta de um certo cansaço do formato, não mais produzirei críticas, apenas comentários pessoais sobre filmes (a exemplo deste) e textos livres sobre cinema.

Por Quê O Diretor é O Diretor

2007-11-27T16:58:00.000-08:00

Alfred Hitchcock, um exímio estrategista de planos

Na feitura do filme, os diferentes departamentos precisam contribuir não só materialmente como também criativamente. Para efeito didático, falarei neste texto de três dos departamentos mais importantes (direção de arte, direção de fotografia e elenco), pois entender o funcionamento destes contribui para que se esclareça o modo como trabalham os demais.

Diretor de arte (e equipe) e diretor de fotografia (e equipe) estão em contato direto com a direção. O ideal é que entendam por dentro o projeto estético do diretor, para a partir daí pautarem seus trabalhos por uma idéia mestra, uma idéia diretriz. Desta forma, a arte procura ou produz objetos dentro da paleta de cores definida pelo diretor, ajudando a criar o “clima” programado para cada ambiente. Precisam saber, também, qual é o estilo de cada que devem seguir os cenários: que época deve representar, se o personagem é bagunceiro ou organizado, se é pobre ou rico etc.

É imprescindível uma leitura do roteiro e da decupagem (se um objeto entra em plano detalhe, por exemplo, precisa ser mais detalhado e não deve ser falseado). Estudando a decupagem, o diretor de arte fica sabendo o que vai entrar ou não em quadro, se poupando de trabalho inútil ao colocar no cenário objetos que simplesmente não vão aparecer. Ainda assim, jamais se afastará do crivo do diretor, levando a ele fotos com opções de móveis, roupas e tonalidades.

O diretor, em cada uma de suas escolhas, corrige possíveis desvios. Quando se afastam do diretor, a tendência é que a bússola dos chefes de departamento sofra um desvio natural. Cabe ao diretor, o responsável pelas relações estéticas e, em última instância, forjador da narrativa, a tarefa de realinhamento constante dos ponteiros.

Acontece, também, de se encontrar coisas muitos interessantes entre as sugestões, e que não estavam no planejamento inicial. Como conhece o filme em seu conjunto, o diretor pode com segurança agregar determinado valor ou objeto a seu projeto estético, pois conhece previamente as relações que este elemento estabelecerá com todos os outros.

Já para o diretor de fotografia o ideal é que participe ativamente do processo de decupagem do filme, dando sugestões, apontando erros e sinalizando planos especialmente problemáticos. Esta análise diz muito sobre o tempo necessário para preparar cada cena, e é fundamental para a elaboração da ordem do dia por parte do assistente de direção.

Cabe ao diretor de fotografia gerenciar os meios materiais para executar o programa de imagens concebido pelo diretor, em um trabalho de intensa colaboração . Assim, pode aplicar sua experiência e senso crítico no conjunto da obra, sugerindo novos enquadramentos, jogos de luz etc. Essas sugestões, no entanto, deverão sempre passar pelo avaliação do diretor, que dispõe de um número maior de informações a respeito do filme a ser realizado.

Na atuação o processo é semelhante, com a exceção de que, por estarem em constante exposição, o diretor precisa ter um cuidado maior com a disposição emocional e o conforto dos atores. Não é recomendável que eles conheçam a decupagem, pois, se assim fosse, poderiam ficar travados demais pensando no resultado final da cena. Ou pior: utilizariam o acesso privilegiado ao diretor para pedir mudanças de enquadramento que os privilegiassem, além de outros problemas.

O trabalho com o ator se utiliza mais de uma indução continuada, ensaio a ensaio, take a take, do que de um processo informativo, como o é com as outras equipes. Ainda que o ator coloque no personagem toda a sua carga emocional, também é o diretor quem decide se determinado tom está adequado ou não ao filme. O material humano do ator deve coadunar-se ao projeto em seu todo, e é o diretor quem vai direciona-lo até este ponto.

O diretor é um executor de planos, sua função é garantir as imagens e sons que melhor contem a sua história, mantendo unidade estética e dramática, criando progressões emocionais ritmadas e levando adiante, no mesmo passo, direção de arte, fotografia, atuação e outros departamentos. É ele o responsável pela junção de todos materiais, sejam eles técnicos ou humanos.

O material criativo não deixa de ser um material: ainda que ouça muitas sugestões e opiniões, cada uma dessas precisa, primeiro, passar por uma avaliação hipotética, mental, que só o diretor pode fazer, que preveja as relações que determinado elemento aventado pela equipe se harmonize com o todo, e de preferência o reforce e enriqueça. Não raro, uma sugestão que é feita com uma intenção ganha, nesta etapa, função diferente, mais ou menos poderosa, na hora da execução.

Virou lugar comum dizer que “o cinema é uma criação coletiva”. A frase parece ter um lugar de destaque no discurso dos que estudam cinema, mas seria difícil ouvi-lo daqueles que o fazem. Em um set, muitas pessoas podem falar e sugerir, e algumas vezes com muita razão. Mas somente o diretor pode dizer com certeza.

Existem filmes de direção coletiva. Como exemplos, posso citar o September 11 (um filme, 11 histórias, onze diretores), e Paris, je t'aime (um filme, 21 histórias, 22 diretores). São obras com muitos segmentos, e cada segmento com o seu diretor. Provavelmente o único modo são de se produzir um filme coletivo. Como alternativa, o que existe, é o caos da não direção, muito comum em equipes iniciantes, em que vigora a idéia de que uma pessoa só dirigir é uma coisa muito arrogante etc, e que várias cabeças pensam melhor do que uma. Isso pode ser verdade com relação ao ato de pensar. Não é verdade com relação ao ato de dirigir um filme.

Seria mais correto dizer que o cinema é uma prática coletiva que uma criação coletiva, pois o é assim como a arquitetura: o projeto, definido pela mente diretiva, guia um árduo trabalho intelectual e criativo por parte de engenheiros (que avaliam condições de solo, materiais a serem usados etc), e um árduo trabalho braçal (e quiçá criativo...) por parte de mestres de obras, pedreiros, pintores etc. Mas isso não faz do arquiteto menos diretor de sua obra.

A criatividade é o material humano que contribui para a realização de seu projeto, sem deturpá-lo em um único milímetro. Esse é, aliás, o ponto ideal para qualquer técnico: que seu trabalho, de tão bom, se torne invisível. Com cinema é a mesma coisa.

ps: ao terminar de escrever, sinto que não falei nada de mais e não fui além dos lugares comuns. Mas acho importante, ainda assim, que esse tipo de informação seja divulgada, pois esses são lugares comuns que eu vejo frequentemente esquecidos ou ignorados.

Quando eu crescer, quero ser o Fernando Meirelles

2007-11-14T15:27:00.000-08:00

(com a diferença que eu vou decupar)

Não percam tempo aqui. Corram para o http://blogdeblindness.blogspot.com/ que tem texto novo.

FERNANDO MEIRELLES BROCA

2007-11-03T18:08:00.001-07:00

Em cinema, métodos diferentes são o resultado de diferentes escalas de prioridade. Andei lendo o (excelente) blog do Fernando Meirelles (http://blogdeblindness.blogspot.com/), onde ele faz um relato sobre o seu trabalho atual, Blindness. Lá, ele escreve:

“O que fazemos é montar a cena como se fosse teatro, sem pensar em câmeras e depois cobrimos o máximo possível. A decupagem acontece na sala de montagem, o que é uma vantagem, como tenho constatado, pois muitas vezes entre a imagem bem enquadrada da câmera A, que foi previamente planejada, ou a mesma cena meio encoberta da câmera B temos usado a segunda opção na montagem”.

Este trecho, assim isolado, pode dar a entender uma opção pelo improviso. Adiante no texto, entretanto, se esclarece que essa estratégia é também oriunda de método. As câmeras não estão dispostas aleatoriamente em volta da ação, existe uma organização. Uma câmera “garante a história”, isto é: ela é disposta de forma a permitir um entendimento íntegro da cena, servindo de salvaguarda para a compreensão da narrativa. Outra enquadra detalhes e não serve à história diretamente, mas está ali para gerar planos ousados, que acrescentam opções de montagem para a criação de efeitos intra-cena, ao mesmo tempo em que favorecem a uma manutenção de estilo. Uma terceira câmera, que ele chama de câmera-do-acaso, quase sempre não tem operador e fica disposta em algum canto do espaço cênico. O aproveitamento, segundo Meirelles, é baixo, mas eventualmente proporciona imagens inesperadas.

Para Meirelles, o filme enquanto encadeamento de planos só se forma, de fato, na sala de montagem. Como diretor, é claro, ele lida com áreas que precisam de maior dose de planejamento prévio: é notório o seu perfeccionismo no tocante à direção de atores, com muitos ensaios.

É um pouco assustador para alguém que faz parte da turma dos decupadores compulsivos pensar no efeito que esse tipo de declaração pode gerar. Nada contra Meirelles, pois o considero um dos melhores (se não o melhor) diretores brasileiros da atualidade. É que pouca gente vai ler essa ressalva que farei aqui: o método de trabalho de Meirelles é fruto de uma prática profílica e aprimorada, e que possui também um método e uma organização de trabalho. Não se trata de porra-louquice com câmeras bamboleantes. O seu modo de filmar tem muito a ver com o seu modo de contar histórias ─ a agilidade e imprecisão dos movimentos de câmera dá dinamismo a uma narrativa entrecortada e instigante, cuja organização denota, ao mesmo tempo, um conhecimento profundo da história e do aparato narrativo do cinema. Meirelles não é nenhum gênio, mas é um craque no que faz. A câmera frenética não é a panacéia dos novos diretores. Quando Meirelles começou, certamente também foi decupando, essa atividade chata e sem graça que dá coesão aos filmes de nós outros, diretores de cinema CDFs e desinspirados. Mas o cara é tão bacana que dá até uma colher de chá pra gente:

"Admiro a capacidade de abstração de diretores que conseguem pensar seus filmes de ponta a ponta com antecedência, diretores que desenham storyboards e depois cumprem à risca o que planejaram. Já tentei fazer isso, mas fico tão focado em fazer o que planejei que acabo não vendo as idéias vivas que acontecem no set. Já filmei muito como um clarinetista que toca seguindo uma partitura, hoje acho que filmo mais como jazz. Você me entende."

Valeu!

Anexo - contribuição do professor Roberto Duarte a um bloqueiro ranzinza e polemista:

"Master scenes significa exatamente o que Meirelles descreve no texto dele. Cada diretor. concretamente, aplica isso ao seu modo. Se você quer mesmo ter sempre a última palavra, aprenda essas:

- Sim, Senhor!

Abraços.

RD"

Tá, Roberto. Sim Senhor.

2007-09-06T15:36:00.000-07:00

Porque eu discordo da excessiva importância atualmente dada à originalidade

melão com presunto: símbolo alimentício da compulsão pela originalidade

Existe, hoje, uma pressão para ser original. Essa ânsia modernista, fruto de um vanguardismo equivocado, inquieta o público e leva o realizador ao desespero. O que é, afinal de contas, original? Falemos de cinema.

Tratada por muitos como sintoma de originalidade, a narrativa não-linear (sic) é uma idéia absurda, pois de qualquer forma uma imagem está sempre atrás da outra, em seqüência. O que se chama de não-linear são histórias em que os acontecimentos são apresentados, na forma de filme, em ordem não cronológica (o adiante se apresenta agora, o agora se apresenta adiante, e o meio se esparge entre pedaços da narrativa). Quando colocadas em contexto convencional, no entanto, as histórias tendem a apresentar, em sua construção dramática, o mesmo jogo narrativo da fábula convencional.

No frisson moderno, se esquece que uma das características da boa arte é justamente a amplitude de seu efeito, e que, para tanto, ela precisa se comunicar com um ser humano – ser este que se move por sentimentos antigos, primitivos, recalcados. Essa durabilidade de forma é algo inegável, mas que obviamente não esgota as discussões a respeito da evolução da narrativa. É, no entanto, um ponto muito claro, forte, e evidente para que seja simplesmente rejeitado por um impulso juvenil.

Paira no ar a idéia de que já vimos de tudo, que sabemos de tudo. Essa idéia, reinante entre certos círculos artístico, alimenta o culto do original, do diferente, do exótico. Filmes que lidam com simulacro do novo tendem a ser super-valorizados, ainda que apresentem pouca variação em relação à estrutura convencional. É cobrado do artista o constante efeito de surpresa e estupefação. Como se coubesse a ele o ônus de ser um humano melhor que o humano, uma espécie de super-homem visionário. Até acredito que hajam artistas assim, mas acho exagerado esperar isso de toda obra executada. Existem, além do pioneirismo, muitas gradações de efeitos que possibilitam obras de grande interesse e relevância poética. E que, sintomaticamente, têm com a nossa vida cotidiana uma relação orgânica e necessária.

1:45 da manhã

2007-08-18T21:55:00.000-07:00

Segundo um professor de estética, o artista deve diferenciar entre aquilo que ele faz de bom e aquilo que ele faz como terapia. Tem coisas que só servem pra ele. Eu não sei se seria correto me chamar de artista, pois não sou profissional da arte como é um pintor, um músico, alguém que já fez isso muito e se tornou pintura, se tornou música. Mas pego tudo que me serve como terapia, e trabalho em cima até ficar apresentável. Deve ser pra não perder tempo me decidindo se escrevo pra me sentir bem, ou se escrevo pra fazer algo bom. Acho que nenhuma arte é completamente terapia, e nem completamente arte. É nessa tensão que me equilibro, e, como tem dado certo, continuo. Mas o que um artista realmente feliz teria pra falar?

Existe um certo egocentrismo em falar de si mesmo, mas escolho as palavras para criar uma versão de mim que não deixa de ser interessante de observar. Eu amo cinema e, para contrariar um carinha metido gênio, não acredito que ele seja a verdade, mas a mentira 24 vezes por segundo. Gosto desse dualismo. É preciso mentir para chegar à essência (uso a palavra mentira sem pudores, pois discordo e combato a conotação negativa que é atribuída a ela).

A imagem é de O Sétimo Selo (Ingmar Bergman). Homenagem tardia a um grande analista da alma humana.

Como Ser Legal

2007-08-18T06:46:00.000-07:00

Como Ser Legal é o título de um livro que nunca li, do escritor inglês Nick Hornby. Esse é o cara que escreveu um outro livro, Alta Fidelidade, que virou filme protagonizado por John Cusack. Penso muito nesse livro, e pensar sobre ele é tão interessante que eu prefiro não lê-lo. Gosto do título. Como ser legal é o primeiro desafio de todo ser humano. Como contar boas piadas, boas histórias, saber ouvir... como ser gentil sem forçar a barra. Para algumas pessoas parece fácil, mas eu acho difícil pacas.

Confesso que não sou um cara legal. Eu posso até ser bom, confiável, solícito, solidário. Todas essas qualidades louváveis que você colocaria em uma mensagem de Natal. Mas legal, legal mesmo, eu não sou. Sabe aquele cara que, quando conhece um grupo, todo mundo sai dizendo “pó, que cara legal!”? Não sou eu. Buda, por exemplo, devia se dar muito bem numa mesa de bar. Já posso até imaginar aquela carequinha brilhosa dando uma desculpa convincente na hora de se despedir (“Pô, galera, vô nessa, tenho que meditar cedinho amanhã!). E depois a mesa fica naquele marasmo crítico de quando alguém realmente legal vai embora. Nós, pessoas normais, para estender o efeito daquela presença, conversaríamos sobre o que ele falou a noite toda e, pela manhã, fundaríamos o Budismo. Tá, eu exagerei. Mas você entendeu.

Foi o Buda que inventou um negócio chamado O Caminho do Meio. Não é ficar em cima do muro, como se pode pensar, mas uma busca por equilíbrio e moderação. O Buda tinha uma personalidade atenta ao momento presente, um pensamento muito livre, tanto de preconceitos quanto de constrangimentos psicológicos. Um dos suttas (texto budista) fala sobre o bem pensar, o bem comer, o bem falar etc. Muito parecido com o que falei lá em cima. Eu vou lendo os textos, tentando, mas acho que tento demais. O legal é uma condição, não uma aquisição. Ou você nasce legal ou não. Por enquanto, estou satisfeito em tentar ser bom. Quem sabe eu melhore depois de ler o livro.

A Ditadura do "Tem Que Ver"

2007-08-18T06:45:00.001-07:00

A situação é a seguinte: você está conversando com aquele seu amigo do cinema e o tema é, como sempre, filmes. Você fala a respeito dos últimos que assistiu, daí o amigo pega o fio da meada e continua. Uma boa e agradável conversa, permeada pelas fofocas do meio e um ou outro comentário pessoal. De repente, sem aviso prévio, seu amigo lembra-se da última grande revelação cinematográfica do século. Pára tudo, como quem pede autorização antes de um grande anúncio, e subitamente você é agraciado com a narração de um conto digno do Olimpo, materializado na Terra por algum semi-deus das lentes. Ao final, vivamente impressionado, você está satisfeito, pois o amigo contribuiu para aumentar o seu cabedal de referências. Está preparado o terreno. Ele vira para você e, em tom de recomendação fraterna, dispara a frase macabra: "Tem que ver". O mantra se repetirá no decorrer da conversa, a cada vez que o interlocutor lembrar de uma passagem especialmente genial do filme.

O problema é que o tem que ver esconde uma idéia duvidosa: a de que alguém, por se julgar melhor informado com relação ao que está acontecendo no aqui e agora, pode saber o que um outro tem ou não que assistir. Veja que não estou falando de qualidade, mas de conveniência. Eu posso, por um interesse pessoal, achar que tenho que ver filmes japoneses da década de 50 por um ano inteiro, se eu assim quiser. Ou suecos, que seja. É uma escolha pessoal.

O cinema tem já uma história, e seu progresso não é uma linha reta. Existem filmes antigos extremamente avançados, assim como há obras recentes de um conservadorismo constrangedor. A escolha dos filmes que eu tenho que ver, em geral, envolve um projeto muitíssimo pessoal, de um mergulho necessário em determinado gênero, estilo, ator ou cineasta.

Além disso, nem sempre a escolha é fruto de uma relação intelectual, mas emocional. Há filmes que, por melhores que sejam, em determinado momento não convêm. A relação com a obra de arte é uma coisa muito íntima para que a escolha seja determinada por outra pessoa. Cada filme é uma aposta, um plano para duas horas de fruição, e, talvez, uma vida inteira de reflexão. Por isso, fica a dica: escolha sempre uma outra expressão, mais leve e pessoal, quando for recomendar um filme. Diga "eu acho que você vai gostar", ou "eu recomendo", ou simplesmente "achei muito bom por isso, isso e aquilo".

Que se prefira o convite, em vez da intimação. Você me fará um relato interessante que vai me ajudar a conhecer melhor seus pendores estéticos, informações pelas quais eu ficarei grato. Depois eu escolho se tenho que ver ou não. Até porquê, muitas vezes, as histórias que me contam são tão interessantes que eu prefiro nem assisti-las, por achar que a prosa do contador deve ser melhor que a do próprio filme.

ps: como não achei nenhuma foto que ilustrasse, escolhi essa que, embora não tenha nada a ver com o texto, compõe e alegra.